Im Bereich des Designs übertreffen Trends oft ihren Ruf als vorübergehende, schicke Modeerscheinung, um dann zu zeigen, welche Ideen und Stile die kollektive Aufmerksamkeit der Designwelt in einem bestimmten Moment auf sich ziehen. Sie haben oft eine Menge zu sagen. Erinnern Sie sich noch an den allgegenwärtigen Glanz von Flüssigmetall-Chromtypen und ihre stilistische Rebellion gegen die reduzierte, puristische Ästhetik des Minimalismus? Dann kam die Welle der gemeißelten Schriften, die eine Sehnsucht nach unvollkommenem, handwerklichem Humanismus andeuteten. Was sollten wir weiterhin im Jahr 2022 erwarten – wie sehen die Trends aus? Hier ein paar Vorschläge:

Flaches Ukiyo-e-Design

Seit Jahren suchen Designer nach Möglichkeiten, die flachen Vektorgrafiken, die durch digitale Designstandards vorgegeben sind, neu zu beleben. Die Designer des Jahres 2022 lassen sich dabei von den Pionieren des flachen Designs inspirieren, insbesondere von den Ukiyo-e-Künstlern der japanischen Edo-Periode.

Ukiyo-e ist ein Stil von gedruckten (manchmal auch gemalten) Kunstwerken, die mit handgeschnitzten Holzstöcken hergestellt werden. Er zeichnet sich häufig durch kühne Umrisse, begrenzte perspektivische Techniken und flache Farben aus – alles Dinge, die den Vektordesignern vertraut sind.

Ausdrucksstarke und experimentelle Schriftzüge

Da die Welt immer globaler und virtueller wird, können wir uns nicht immer auf Worte verlassen, um die Bedeutung von Kultur zu Kultur zu vermitteln. Viele Designer sehen dies nicht als Rückschlag, sondern als Chance. Für das Jahr 2022 erwarten wir eine Schrift, die die Grenzen der einfachen Lesbarkeit überschreitet und Formen schafft, die an und für sich ausdrucksstark sind.

Da dieser Trend auf Experimenten und persönlichem Ausdruck beruht, sind dem Aussehen keine Grenzen gesetzt. Ungleiche Buchstabenstile, verrückte Formen und amorphe Kleckse – alles ist möglich. Alles in allem stellen diese Schriftzüge die Unterscheidung zwischen abstrakten Formen und lesbaren Buchstaben in Frage. Dies kann ein riskanter Trend sein, der für ein Publikum, das weniger an künstlerischen Experimenten interessiert ist, schwer zu realisieren ist. Aber es belohnt diejenigen mit Freiheit, die mutig genug sind: Es befreit die Bedeutung von einer bestimmten Sprache.

90er-Jahre-Nostalgie

Es scheint noch gar nicht so lange her zu sein, dass populäre Medien wie Stranger Things und It die Nostalgie der 80er-Jahre zurück in den Mainstream brachten und eine Ära der Neonfarben, gotischen Serifen und Vaporwave-Landschaften einleiteten. Im Jahr 2022 ist das Retro-Comeback endgültig in den 90ern gelandet.

Die 90er-Jahre kehren in einer Vielzahl von Inkarnationen zurück. Aber dieser besondere Trend beruht auf Nostalgie – dem sehnsüchtigen, idealisierten Blick zurück. In diesem Sinne erleben wir die 90er-Jahre durch Memphis-Designmuster, einfache Emojis und primitive Internet-Frames neu. Durch leuchtende Farbblöcke und tropfenden Schleim werden Kindheitserinnerungen wach. Wann immer Ihr Designprojekt ein Gefühl von Komfort mit einem Hauch von Old-School-Cool erfordert, drehen Sie die Uhr zurück in die 90er-Jahre.

Anti-Design

In den letzten zehn Jahren hat der App-Wettlauf strenge Designkonventionen hervorgebracht, die vor allem auf Benutzerfreundlichkeit ausgerichtet sind. Dies hat zwar zu Benutzeroberflächen geführt, die jeder durchschnittliche Benutzer leicht verstehen kann, aber auch zu einer Homogenität in der digitalen Landschaft. Viele Kreative haben sich dagegen gewehrt, indem sie die Regeln gebogen haben. Im Jahr 2022 wollen einige sie ganz brechen: die Anti-Designer.

Anti-Design (verwandt, aber nicht völlig gleichbedeutend mit Brutalismus) ist genau das, wonach es klingt: Es entzieht sich den traditionellen Designprinzipien und dem konventionellen ästhetischen Geschmack. Es fordert uns mit widersprüchlichen Farben, überfüllten Elementen, Asymmetrie, kahlen Oberflächen und strenger Typografie heraus. Obwohl wir es am häufigsten in der digitalen Sphäre sehen, kann sein Geist der Rebellion in jedem Designkontext angewendet werden. Für seine Kritiker ist der Stil hässlich um des Hässlichen willen. Für seine Befürworter hingegen schafft er Designs, die sich von den Schönheitsstandards befreien, die jemand anderes aufgestellt hat.

Tagtraum-Kritzeleien

Kritzeleien sind mehr als nur bedeutungslose Formen, die man zeichnet, wenn die Gedanken während einer Zoom-Präsentation abschweifen. Was Sie kritzeln, kann tatsächlich viel über Sie aussagen.

Diese mäandrierenden Zeichnungen sind sehr persönlich, und die Designer des Jahres 2022 fügen ihrer professionellen Arbeit ein wenig von ihrer eigenen abstrakten Gedankenwelt hinzu. Auf diese Weise kann die Kluft zwischen digitalen Werkzeugen und menschlicher Note überbrückt werden, und es entstehen Designs, die greifbar sind. Gleichzeitig muss dies nicht im Widerspruch zu digitalem Design stehen – Tools wie Animationen sind hilfreich, um den frei gestalteten Charakter des Kritzelns hervorzurufen.

Die Grafikdesign-Trends des Jahres 2022 sind ein buntes Sammelsurium, wenn man sie erst einmal beisammen hat. Und genau diese unvorhersehbaren Entwicklungen sind es, die das Design ausmachen und die Sie im kommenden Jahr nicht verpassen wollen.

Designtrends werden oft von dem bestimmt, was wir in der Welt um uns herum erleben. Auf dem Weg in eine Welt nach einer Pandemie erleben wir derzeit einen Anstieg von Designtrends, die uns helfen, der pandemiebedingten Isolation und Angst entgegenzuwirken.

Diese Trends werden wahrscheinlich noch einige Zeit und bis in die Zukunft bestehen bleiben. Nachfolgend finden Sie eine Liste der wichtigsten Designtrends im Grafikdesign nach dem Covid.

Schwerpunkt auf Nachhaltigkeit und Umwelt – mit von der Natur inspiriertem Design

Als Covid die Welt in eine Isolation zwang, entwickelte sich eine neue Wertschätzung für die natürliche Umgebung und die freie Natur. Die Menschen fingen an, mehr spazieren zu gehen, Fahrrad zu fahren und sich draußen zu versammeln, um ein Gefühl der sozial distanzierten Freiheit von der Monotonie des Zuhause-seins zu erleben. Aus diesem Grund sehen wir mehr von der Natur inspirierte Farbpaletten und organische Formen, viele handgezeichnete Illustrationen und DIY-Techniken, die die Erfahrung im Freien nachahmen und schätzen.

Verspieltes, freundliches und optimistisches Design

Nach einem Jahr, in dem wir ständig mit schlechten Nachrichten und negativen Bildern bombardiert wurden, sehnen sich die Menschen nach Design, das ihnen ein gutes Gefühl gibt. Buntes, aufmunterndes, lebhaftes und besonders humorvolles Design ist heute relevant, um die Stimmung aufzuhellen, die durch Covid und ihre sozialen und politischen Auswirkungen für alle getrübt wurde. Es besteht ein allgemeiner Wunsch, sich beschwingt zu fühlen, und das Design tendiert eindeutig in diese Richtung.

Metallic Effekt und Glanz

Die Verwendung von Metallic-Elementen im Design ist ein einfacher Weg, um etwas edel und luxuriös wirken zu lassen. In einer Welt, in der die Menschen nur noch im Schlafanzug oder in der Yoga Hose leben und nicht mehr die Möglichkeit haben, sich schick zu machen, auszugehen und die schönen Dinge des Lebens zu genießen, fühlt sich das Hinzufügen von Glanz und Schimmer edel an und ist wie eine Flucht aus der Realität.

Sinn für die Gemeinschaft

Das vergangene Jahr hat uns alle daran erinnert, wie wichtig es ist, mit anderen in Kontakt zu treten und zu bleiben. Wenn die Welt gemeinsam leidet, neigen die Menschen dazu, den Wunsch zu verspüren, sich mit anderen auszutauschen. Von Videos, die Anfang letzten Jahres in Italien gedreht wurden und in denen Nachbarn auf ihren Balkonen musizierten, bis hin zu den friedlichen Protesten gegen die Rassenungerechtigkeit – Fremde und Freunde schlossen sich zusammen, um die Einsamkeit und Negativität der Zeit zu bekämpfen. Dieser Trend ist im letzten Jahr deutlich zu erkennen und spiegelt sich in den Designtrends wider.

Ehrlichkeit und Authentizität

Zwischen der Pandemie und den politischen Unruhen haben wir eine Flut von Fehlinformationen und Sensationsmeldungen erlebt. Außerdem standen für viele Menschen Tragödien, der Verlust des Arbeitsplatzes und vieles mehr im Vordergrund des täglichen Lebens. Die Menschen sind auf der Suche nach Wahrheit und Authentizität – nach Marken, mit denen sie sich identifizieren können. Und Marken, die sich um die Probleme kümmern, mit denen die Menschen regelmäßig konfrontiert sind. Ein Mangel an Perfektionismus und ein Trend zu unverfälschten, echten Grafiken mit aussagekräftigen und sozial bewussten Botschaften und Marken, die echte Menschen mit echten Problemen zeigen, sind entstanden.

Nostalgie / Retro-Atmosphäre

Der Stress des Jahres hat bei vielen Menschen eine Wertschätzung für die Vergangenheit und den Wunsch geweckt, über die Zeit vor der Pandemie nachzudenken. Als die Menschen begannen, sich an die „guten Zeiten“ zu erinnern, blickten sie in die Vergangenheit, um ein Gefühl von Frieden und Trost zu finden. Infolgedessen haben Grafiken, die ein Gefühl von Nostalgie vermitteln, stark zugenommen. Retro-Schriften und -Farbpaletten, flippige und witzige Illustrationen und Muster, die an eine Zeit erinnern, in der die Dinge einfacher schienen, haben wieder an Bedeutung gewonnen.

3D-Darstellungen und Grafiken

3D-Renderings, die in den letzten Jahren immer beliebter wurden, sind jetzt noch beliebter, da der persönliche Kontakt im letzten Jahr eingeschränkt wurde. Die Menschen drücken sich selbst aus und kommunizieren mit anderen durch 3D-Darstellungen im Gegensatz zu Fotos, und zwar jeden Tag mehr. Ferner können Designer mit 3D-Renderings lebensechte Grafiken erstellen, die die Grenze zwischen digital und physisch verwischen und illustrative und fotografische Elemente kombinieren, um skurrile Bilder zu schaffen – ein weiterer neuer Trend.

Grafikdesign ist ein Spiegelbild dessen, was wir um uns herum sehen – eine visuelle Möglichkeit, die Gedanken und Gefühle zu interpretieren, die wir als Gesellschaft gemeinsam erleben. Design hilft uns, unsere Gefühle zu verarbeiten und ihnen eine Stimme zu geben, und macht das Leben hoffentlich ein bisschen angenehmer und überschaubarer. Diese Trends vermitteln ein Gefühl von Freiheit und Optimismus und füllen die Lücken, die durch ein Jahr voller Stress, Isolation und Verlust entstanden sind.

Das Zeichnen hat sich im Laufe der Jahre in vielerlei Hinsicht weiterentwickelt, wobei die traditionelle Kunst mit der digitalen Kunst verschmilzt und verschwimmt. Digitales Zeichnen bietet sehr viel Freiheit zum Experimentieren und Entdecken.

Was ist digitale Illustration?

Digitale Illustration ist im Wesentlichen die Verwendung von digitalen Werkzeugen, wie z. B. einer Maus oder eines Tablets, in Kombination mit einer Grafiksoftware, wie z. B. Corel Painter, um eine Illustration zu erstellen.  Mit der universellen Anziehungskraft der digitalen Illustration kann ein Künstler nun eine leere Zeichenfläche in einem ganz neuen Licht betrachten.

Ob man sein persönliches Portfolio bereichert, ein Kundenprojekt verfeinert oder das Design einer Webseite verschönert, die digitale Illustration bietet viele kreative Möglichkeiten. Wichtige Werkzeuge, Techniken und Tastenkombinationen können bei der Erstellung digitaler Kunstwerke helfen und den Arbeitsablauf beschleunigen.

Was macht ein digitaler Illustrator?

Die Aufgabe eines digitalen Illustrators besteht darin, eine Originalgrafik zu erstellen, in der Regel für einen Kunden, z. B. ein Film/ Spielstudio, einen Verlag, eine Werbeagentur oder eine Einzelperson, um den Verkauf eines Produkts zu unterstützen oder eine Botschaft zu vermitteln.

Der Prozess umfasst in der Regel

1. den Erhalt eines kreativen Briefings eines Kunden/ Arbeitgeber,
2. die Durchführung von Recherchen und das Sammeln von Referenzmaterial,
3. das Erstellen und Abliefern des ersten Durchgangs,
4. das Anpassen des Bildes nach Bedarf auf der Grundlage von Anmerkungen des Kunden (falls vorhanden) und
5. das Abliefern des fertigen Kunstwerks.

Hier sind einige Beispiele für Nischen, in denen digitale Illustratoren eingesetzt werden können:

Videospiele

Ein Künstler kann gebeten werden, eine Szene zu erstellen, um die visuelle Richtung eines Spiels zu bestimmen.

Film

Ein Filmstudio kann einen Künstler bitten, einen Kampf zwischen einem Helden und einem Bösewicht darzustellen, um dem Regisseur und der Crew zu helfen, sich in Szene zu setzen, bevor sie ans Set gehen – oder Bilder für Schlüsselszenen, um die Stimmung zu etablieren und dem Publikum ein bestimmtes Gefühl zu vermitteln (traurig, glücklich, ängstlich usw.).

Werbung

Eine Werbeagentur kann einen Künstler damit beauftragen, Storyboards für einen Werbespot oder Plakate zu illustrieren, um eine Veranstaltung oder ein Produkt zu bewerben.

Verlagswesen

Ein Verlag kann Buchcover in Auftrag geben, um das Interesse des Kunden zu wecken und den Verkauf des Produkts zu unterstützen.

Wie unterscheidet sich Illustration von konzeptioneller Kunst?

Konzeptionelle Kunst ist die Idee, wie der Charakter, die Umgebung oder die Requisiten aussehen könnten. Illustration ist, wenn man all diese Elemente in ein Bild packt, um eine Geschichte zu erzählen.

Es gibt eine Menge Überschneidungen, aber die zwei Bereiche sind sehr unterschiedlich. Eine Konzeptgrafik könnte zum Beispiel die Vorder- und Rückseite des Kostüms eines Marvel-Helden oder seiner Waffe sein. Eine Illustration ist die nächste Stufe: einen Helden und einen Bösewicht in einem Bild zusammenzubringen, um eine Geschichte zu erzählen.

Was ist der Unterschied zwischen Zeichnung und Illustration?

Zeichnen bezieht sich auf die Grundlagen, die Fundamente der Kunst. Ein Künstler muss wissen, wie man zeichnet, bevor er illustrieren kann.

Was ist der Unterschied zwischen Illustration und Bildender Kunst?

Ein bildender Künstler nimmt das, was ihn interessiert, und schafft ein Kunstwerk, in der Hoffnung, dass jemand darauf reagiert, während Illustrationen normalerweise in Auftrag gegeben werden, um ein Produkt oder eine Botschaft zu vermarkten. Ein Illustrator kann zum Beispiel beauftragt werden, eine Verpackung zu entwerfen, um den Verkauf eines Spielzeugs zu unterstützen, oder ein auffälliges Buchcover zu gestalten, das im Bücherregal auffällt.

Was sind die verschiedenen Arten der digitalen Illustration?

Illustration wird in sehr vielen Bereichen des Lebens eingesetzt, mehr als den meisten Menschen bewusst ist! Ein Künstler kann Kunst für Dinge wie folgende erstellen

• Storyboards (für Filme, TV-Shows und Werbespots)
• Bücher und Buchcover
• Spiele
• Spielzeugdesigns und Verpackungen
• Casinos
• Leitartikel
• Zeitschriften und Poster
• Mode- und Kostümdesign
• Kommerzielle Produkte

Als Designprofis ist es wichtig, jedes Jahr etwas Zeit zu investieren, um sich mit den Trends zu befassen, die sich auf diese Branche auswirken. Die Überprüfung der ästhetischen Stile, Inhaltsformate und Hilfsmittel, die in der zweiten Jahreshälfte bekannt wurden, kann uns helfen, solide Vorhersagen darüber zu treffen, was sich im kommenden Jahr entwickeln wird. Um diesen Prozess viel einfacher zu machen, habe ich einige der herausragenden Grafikdesigntrends zusammengefasst, von denen wir im Jahr 2018 bestimmt mehr erwarten können.

Moody Tones/ Stimmungsvolle Töne

Die 80/ 90er sind eindeutig wieder da und modern und die Popularität von Serien wie “Stranger Things” ist ein eindeutiger Beweis dafür. Dazu kommt ein neues Interesse an Farben hinzu, die nicht als hell wahrgenommen werden. Aus verschiedenen Gründen waren die Farben, die damals von unterschiedlichen Medien erfasst wurden, etwas abgenutzt und nicht so stark. Dieses Phänomen hat viele Designer für stimmungsvolle Farbpaletten inspiriert, die mit allen Arten von Materialien verwendet werden können: Leinwand, Papier, Stoff und viele andere.Der vielleicht einfachste Weg, diesen Trend zu erkennen, ist die stimmungsvolle Filter zu sehen, die mit normalen Fotos angewendet werden: In der Farbtheorie verwendet man den Ausdruck “Wert”/ Value, um diese relative Helligkeit oder Dunkelheit auszudrücken. Stimmungsvolle-Töne haben einen niedrigeren Wert, wodurch sie dunkler erscheinen. In ähnlicher Weise gibt es ein weiteres Merkmal namens Chroma, das die Qualität der Intensität oder Reinheit einer Farbe misst. Da bei “moody” Farben die reinen, gesättigten Basen entfernt sind (man denke primär rot oder blau), wird gesagt, dass sie eine geringe Chroma haben.

Ultraviolette und galaktische Effekte

Pantone hat gerade das Ultra Violett für 2018 als die Farbe des Jahres benannt. Dieses tiefe, blau-basierte Purpur spiegelt den größeren Trend der Inspiration durch den Weltraum wider. Daher verweist Ultra Violett nicht nur auf wörtliche Motive wie Sterne und Planeten, sondern auch auf tiefere Emotionen wie unseren Sinn für Entdeckung und Abenteuer. Erwarten Sie raumbezogene Ästhetik, die sich insbesondere auf die Grafik-, Web-, Interior- und Modedesignbranche auswirkt.

Vor allem Lila ist oft mit Begriffen wie beruhigend, aufregend und einem Entstressen verbunden. In einer Studie über die Persönlichkeit von Modemarken wurden lila Logos signifikant mit Raffinesse assoziiert, einschließlich Eigenschaften wie “weiblich”, “glamourös” und “charmant”.Als Farbe ist Lila das Ergebnis der Kombination von Rot und Blau in verschiedenen Proportionen. Wärmere Purpurtöne (wie Flieder) enthalten mehr rote Anteile und kühlere Purpur (denken Sie ans Immergrün) enthalten mehr Blau. Ultra Violett, der spezifische Farbton, den Pantone in diesem Jahr gewählt hat, ist näher an Blau, weist eine hohe Sättigung (Intensität) und einem niedrigen Wert (Dunkelheit) auf.

”Mid-Century”- Moderne Motive und Illustrationen

Nicht nur die 80er machen ein Comeback. Mid-Century, ein Begriff, der den Zeitraum zwischen 1933 und 1965 beschreibt, wird sicherlich zu einer Quelle der Inspiration für Web- und Print-Designer. Während die Innenarchitektur und das Modedesign in den letzten Jahrzehnten moderne Elemente der Mitte des Jahrhunderts in Schüben integriert haben, beobachten wir jetzt eine ehe digitale Aufnahme und Interpretation dieser Elemente.

Egal, ob Sie Ihr Logo auf einem Produkt platzieren oder Print- und Online-Marketing-Materialien für eine Marke entwerfen möchten, Sie werden einige ernsthafte Grafikdesign-Fähigkeiten benötigen.

Zum Glück leben wir im 21. Jahrhundert. Dank des Internets stehen Ihnen Tausende von Grafikdesign, Logo-Design und Typografie-Blogs, Leitfäden, Ressourcen und Tutorials zur Verfügung. Damit Sie Inspiration oder Training für die Gestaltung der Marketing- und Werbematerialien einer Marke erhalten, haben wir Ihnen hier eine Auswahl an Blogs zusammengestellt. Auf den folgenden herausragenden Grafikdesign-Blogs finden Sie viele nützliche Tipps und Tricks.

Onextrapixel

Onextrapixel bietet Ressourcen, Tutorials und Freebies für eine Vielzahl von Themen. Möchten Sie neue Photoshop-Tricks lernen? Ein Extrapixel. Haben Sie Probleme mit Ihrem WordPress Thema? Ein Extrapixel. Brauchen Sie Inspiration beim Auswählen einer Schriftart für Ihr Logo? Ein Extrapixel. Von der Fotografie über die Illustration bis hin zu sozialen Medien, Onextrapixel bietet für alle Grundlagen und Informationen. Dies ist eine führende Online-Magazin- und Ressourcen-Seite für Designer und Webentwickler. Das in Singapur ansässige Portal zielt darauf ab, nützliche Tipps, Neuigkeiten, Tutorials, Tools und Ressourcen zu Design, Entwicklung und anderen inspirierenden Themen zu sammeln, zu erkunden und zu teilen. Jeder findet hier etwas, das nützlich und interessant ist.

Wir alle suchen nach Möglichkeiten, unser Leben einfacher zu machen. So auch OXP. Es ist ein digitaler Spielplatz für Menschen, die lernen wollen. Bei OXP finden Sie Branchenrichtlinien, Tipps und Tricks, Fallstudien, Design- und Entwicklungsressourcen und verwandte Webartikel, die Ihnen helfen, Ihre Fähigkeiten zu erweitern und sich selbst zu verbessern.

OXP wurde 2009 von einem Team von Web Begeisterten aus Singapur ins Leben gerufen, die das gemeinsame Ziel verfolgten, das Internet zu einem besseren Ort für alle zu machen. Die Artikel von OXP werden von talentierten Fachleuten auf der ganzen Welt geschrieben. Bei jedem veröffentlichten Stück wird großer Wert auf Qualität, Vollständigkeit, Einzigartigkeit und Nützlichkeit gelegt.

Creative Nerds

Neben kostenlosen Icons, Schriftarten und Photoshop-Pinseln verfügt CreativeNerds auch über einen sehr hilfreichen YouTube-Kanal, auf dem Schritt-für-Schritt-Anleitungen veröffentlicht werden. Neben ihren hilfreichen Tutorials machen sie auch viele umfangreiche Zusammenfassungen wie “85 beste Photoshop Tutorials von 2012” oder “50 phänomenale freie Photoshop Pinsel Sets”.

Jung und ehrgeizig: Er schläft nicht vor 4 Uhr morgens, wacht dann aber prompt auf und geht sofort wieder zur Arbeit. Mit nur 18 Jahren ist Dirujan Sabesan der Gründer von Creative Nerds und hat bereits die Art von Erfolg erreicht, von der viele nur träumen, einschließlich der Arbeit als Webdesigner für Tinchy Stryder (als er erst 15 Jahre alt war!) Für die Erstellung der gesamten SBTV-Website Jamal Edwards. Und er führt jetzt sein eigenes Team von Leuten. Es braucht viel Charakter, um so jung erfolgreich zu sein.

Specky Boy Design Magazine

Das Specky Boy Design Magazine schreibt viel über Webdesign und WordPress, aber das ist sicherlich nicht alles. Sie bieten auch wöchentliche Web-Design-Inspiration Beiträge, wöchentliche Design-Nachrichten Posts, Grafik-Design Freebies und Tutorials und Tipps für freiberufliche Designer oder Design-Agenturen. Es ist für Designer und es konzentriert sich darauf, hilfreiche Ressourcen zu teilen, neue Techniken zu erkunden, nützliche Tipps zu geben und Sie zu inspirieren, ein besseres Web zu designen.

Designhill

Designhill ist ein Paradies für Unternehmer, die wertvolle Design Tipps und Inspirationen für den Aufbau ihres Geschäfts suchen. Sie bieten nicht nur unzählige Artikel und interaktive Anleitungen, sie bieten auch die Möglichkeit, ein Design direkt auf ihrer Webseite zu erhalten! Das Team hinter Designhill hat seinen Sitz in Delhi, Indien, und ihre Grafikdesigner sind in der ganzen Welt ansässig und arbeiten remote.

Ihre Dienste sind ziemlich flexibel, abhängig von Ihrem Budget. Sie können zwischen 20-80 Designs aus einer Gruppe von 10-40 Designern wählen, die Ihnen eine große Auswahl an Designs zur Verfügung stellen. Sie bieten eine 100% Geld-zurück-Garantie und haben 24/7 Kundensupport zur Hand, wenn Sie irgendwelche Probleme haben. Sie können Designhill für Logos, Infografiken, Buchumschläge, Verpackungsdesigns, Broschüren und sogar ganze Webseiten oder Fahrzeugwerbung anstellen. Grundsätzlich kann alles, was ein professioneller Grafikdesigner tun könnte, über die Webseite in einem Crowdsourcing-Wettbewerb bearbeitet werden.

• Casino einzahlung mit telefon

Mit welchem Slot spiele ich heute?

Eines der Geheimnisse erfolgreicher Spieleentwickler bei der Erstellung eines guten Spielautomaten ist die Vollführung eines sorgfältig gestalteten Kunstwerks. Während viele Leute es nicht sofort bemerken, ist das Grafikdesign eines Spielautomaten unbewusst die erste Kraft, die Leute dazu bringt, genau mit diesen Slot zu spielen. In den ständig frequentierten Spielautomaten Bereichen eines Casinos kann ein Beobachter sehen, dass die Leute nur daran interessiert sind, den Jackpot zu gewinnen und wiederholt auf den Drehknopf zu drücken, wenn auch das Design des Automaten stimmt. Stellen Sie sich einmal die Maschinen ohne Spieler vor, diese einzigartigen, lebhaften und farbenfrohen Kunstwerke jedes der 2.000 Spielautomaten ein einem Casino. Wenn das nicht die Frage beantwortet, warum 80% der Gewinne eines Casinos von diesen Maschinen erhalten werden, hier sind einige Erklärungen von den Top-Entwicklern von Slots, warum solche Maschinen sehr beliebt sind.

International Game Technology: “Wie die Bilder auf dem Spiel dargestellt werden – die Farben, die Grafiken – ist wichtig für die Erfahrung”, sagte Joe Sigrist, Vizepräsident für das Produktmanagement von International Game Technology. “Und natürlich möchten Sie Spaß haben und Sie wollen gewinnen.”

Kreative Grafiken bei den Slots sind sehr wichtig

Daher ist es sinnvoll, dass Entwickler mehr Zeit für die Erstellung kreativer Grafiken für Slots aufwenden, da sie ein wichtiges Verkaufsargument des Spiels sind. Ohne atemberaubende Kunstwerke, wie unterschiedlich wären dann eigentlich die Slots von denen, in Las Vegas angebotenen Tischspielen, die auf reinem Spiel basieren? Dies ist der Grund, warum die Slot-Spiele alle unterschiedliche Kunststile aufweisen, wenn Sie in den verschiedenen Online-Casinos vorgestellt werden. Es gibt realistische Spiele, wie die “Bruce Lee und X Factor”- Slots und mehr Cartoon Spiele wie der “Happy Mushroom” und das proprietäre “Bubble Bonus Spiel”, das sicherstellt, dass jeder Slot-Fan etwas Angenehmes findet, wenn er die Seite durchstöbert. Ohne gutes Grafikdesign würden Slots nicht auf sich aufmerksam machen.

Glücksbringer mit Grafikdesign werden integriert

Zusätzlich zum Grafikdesign verkaufen sich Slots besser, wenn sich die Leute mehr mit ihnen identifizieren können. Zum Beispiel sind viele Slot Spieler im Osten sehr abergläubisch, mehr als die im Westen. Es macht dort also nur Sinn, Kunstdesigns in Slots zu integrieren, die Glückssymbole wie Jade-Armbänder, Goldmünzen oder rote chinesische Umschläge enthalten.

Neben dem eindrucksvollen Grafikdesign spielen auch die Farben der Slots eine wichtige Rolle für die Attraktivität der Menschen. Laut Expertenmeinung scheint Blau eine besonders beliebte Farbe von Casino-Besuchern zu sein. Sei es, weil die Farbe für die Augen angenehm ist oder Wasser ein Symbol für das Leben des Menschen ist. Die Automaten, die Blautönen haben, stellen immer eine Verbindung zu den Menschen her.Mit der heutigen Technologie können die Grafiken von Slots die Interessen der Menschen in einem anderen Licht erscheinen lassen. Dank Touchscreens können die Spieler nun mit den Designs interagieren und die Maschinen weiter zu schätzen lernen. In den meisten modernen Spielautomaten bewegen sich Charaktere, wenn sie von den Benutzern berührt werden. Außerdem enthalten einige Maschinen .gif-Bilder, um bewegungslosen Grafiken einen gewissen Realismus zu verleihen.

Digitale Kunst ist eine künstlerische Arbeit oder Praxis, die digitale Technologie als wesentlichen Teil des kreativen oder des Präsentationsprozesses verwendet. Seit den 1970er Jahren wurden verschiedene Ausdrücke verwendet, um den Prozess zu beschreiben, einschließlich Computerkunst und Multimedia-Kunst. Die digitale Kunst wird selbst unter den größeren Überbegriff Neue Medienkunst gestellt.

Digitale Kunst in vielen künstlerischen Bereichen

Nach anfänglichem Widerstand hat der Einfluss der Digitaltechnik Aktivitäten wie Malerei, Zeichnung, Skulptur und Musik/ Klangkunst verändert, während neue Formen wie Netzkunst, digitale Installationskunst und virtuelle Realität als künstlerische Praktiken anerkannt wurden. Allgemeiner wird der Ausdruck digitaler Künstler verwendet, um einen Künstler zu beschreiben, der digitale Technologien in der Produktion von Kunst verwendet. In einem erweiterten Sinn ist “Digitale Kunst” zeitgenössische Kunst, die die Methoden der Massenproduktion oder digitaler Medien verwendet.Die Techniken der digitalen Kunst werden von den Mainstream-Medien in der Werbung und von den Filmemachern intensiv genutzt, um visuelle Effekte zu erzeugen. Desktop-Publishing hat einen großen Einfluss auf die Publishing-Welt, obwohl dies mehr mit Grafikdesign verbunden ist. Sowohl digitale als auch traditionelle Künstler verwenden viele Quellen elektronischer Informationen und Programme, um ihre Arbeit zu schaffen. In Anbetracht der Parallelen zwischen visuellen und musikalischen Künsten ist es möglich, dass die allgemeine Akzeptanz des Wertes digitaler visueller Kunst in etwa ebenso fortschreitet, wie die zunehmende Akzeptanz elektronisch produzierter Musik in den letzten drei Jahrzehnten.

Computergenerierte Kunst

Digitale Kunst kann rein computergeneriert sein (z. B. fraktale und algorithmische Kunst) oder aus anderen Quellen stammen, zum Beispiel einer gescannten Fotografie oder einem Bild, das mit Hilfe von Vektorgrafiken mit einer Maus oder einem Grafiktablett erstellt wurde. Obwohl der Begriff technisch auf Kunst angewendet werden kann, die unter Verwendung anderer Medien oder Prozesse ausgeführt und lediglich eingescannt wird, ist er normalerweise Kunst vorbehalten, die durch einen Computer Prozess (wie ein Computerprogramm, Mikrocontroller oder irgendein elektronisches System) nicht trivial modifiziert wurde eine Eingabe zu interpretieren, um eine Ausgabe zu erzeugen. Digitalisierte Textdaten und rohe Audio- und Videoaufzeichnungen gelten normalerweise nicht als digitale Kunst an sich, können aber Teil des größeren Projekts der Computerkunst und der Informationskunst sein. Kunstwerke werden als digitale Malerei betrachtet, wenn sie auf ähnliche Weise wie nicht-digitale Gemälde erstellt werden, aber Software auf einer Computerplattform verwenden und das resultierende Bild digital auf einer Leinwand wiedergeben.Andy Warhol schuf digitale Kunst mit einem Commodore Amiga, als der Computer im Juli 1985 im Lincoln Center, New York, vorgestellt wurde. Ein Bild von Debbie Harry wurde monochrom von einer Videokamera aufgenommen und in ein Grafikprogramm namens ProPaint digitalisiert. Warhol manipulierte das Bild und fügte Farbe hinzu, indem er Flüssigkeiten verwendete.

Arbeiten Sie als Web Designer oder Grafikdesigner, ist es interessant sich als Freelancer zu profilieren, da Sie sich genau die Zeit aussuchen können, die Sie an einem Projekt arbeiten möchten und Sie brauchen sich normalerweise nicht aus der Haustür bewegen, was besonders gut für Eltern ist oder Personen, die eine Behinderung haben.

Es gibt viele Anleitungen, wie man sich selbstständig machen kann, aber als Freelancer ist es nicht nur eine Frage der Anmeldung auf beliebten Plattformen, wenn man sich für höher bezahlte Jobs entscheidet. Sie müssen sich verzweigen, ein großes Portfolio vergangener Arbeiten aufbauen und vielleicht sogar durch Tests beweisen, ob Sie tatsächlich diese Fähigkeiten besitzen. Hier finden Sie eine Liste einiger Plattformen, bei denen Sie als Freelancer arbeiten können.

UpWork

Mit über 1,5 Millionen Kunden bietet Upwork (ehemals oDesk) etwas für jeden Freelancer. Es umfasst sowohl kurz- als auch langfristige Projekte, stündliche oder projektbezogene Arbeiten sowie Projekte auf Experten- und Einstiegsebene. Unabhängig davon, wo Sie sich in Ihrer Karriere befinden, Upwork hat wahrscheinlich etwas für Sie, besonders im Bereich des Designs.Auf Upwork finden Sie eine Reihe von Top-Talenten, von Programmierern über Designer, Autoren, Kundenbetreuer und mehr.

Beginnen Sie mit dem Posten eines Jobs. Erzählen Sie Upwork von Ihrem Projekt und den erforderlichen spezifischen Fähigkeiten.
Upwork analysiert Ihre Bedürfnisse. Die Suchfunktion nutzt Data Science, um Freiberufler basierend auf ihren Fähigkeiten hervorzuheben und Ihnen dabei zu helfen, Talente zu finden, die gut zueinander passen.
Sie senden Ihnen eine Vorauswahl von Kandidaten. Sie können die Webseite auch nach Talenten durchsuchen, und Freiberufler können Ihren Job einsehen und Vorschläge einreichen.

Jeder Kandidat, der als Freelancer arbeiten möchte, wird zuerst überprüft, ob er auch wirklich der ist, den er vorgibt zu sein. Kommt es zu einem Arbeitsverhältnis mit einem Kunden, muss der letztere jede Woche eine bestimmte Summe in einem Escrow-Konto hinterlegen, um die Bezahlung des Freelancers zu versichern.

Freelancer.com

Im Gegensatz zu den meisten anderen Plattformen bietet Freelancer.com Ihnen nicht nur Millionen von Projekten, sondern auch die Möglichkeit, sich mit anderen Freelancern in Wettbewerben zu messen, um Ihre Fähigkeiten zu beweisen. Wenn Sie wettbewerbsfähig und selbstsicher in Ihrem Fachwissen sind, ist dies eine großartige Möglichkeit, Ihre Fähigkeiten zu präsentieren und mehr Kunden anzuziehen.

Der Inhaber von Freelancer.com ist Matt Barrie aus Sydney, Australien und die Domain der Webseite www.freelancer.com wurde in 1995-08-18 registriert. Dies ist eine Webseite, die Freelancer mit ihren Kunden verbindet. Dies ist wahrscheinlich einer der führenden Freelancing-Plattformen. Ihr Outsourcing und Crowdsourcing ist sehr groß, dass sie über mehr als 250 Länder und Regionen verbreiten. Diese Webseite ist wirklich eine große Hilfe für die Unternehmen oder Arbeitgeber, die gerne Freiberufler für einen Teil der Arbeit einstellen möchten, z.B. für Buchhaltung, Marketing, Personalwesen, Finanzmanagement, Engineering, Dateneingabe, Übersetzung, Grafikdesign, Auto CAD, Schreiben von Artikeln , Bücher und Inhalte, Erzählungen, Forschung und Analyse, juristische Dienstleistungen, Produkteinführung und so weiter. Freelancer können Arbeitsangebote über das Antennensymbol oder die Suchleiste abrufen. Es gibt einige wichtige Faktoren, die Ihr Gebot für diesen bestimmten Job bestimmen. Das erste ist eine gute Bewertung und die Anzahl der Bewertungen von früheren Arbeitgebern für Sie. Die höchste Anzahl an Bewertungen, die Sie haben, oder die Bewertung, die Sie erhalten, bringt Ihnen die höchste Möglichkeit, ein Projekt zu erhalten. Zweitens sind Ihr Profil und Ihre Erfahrung mit einem ähnlichen Projekt wichtig und drittens werden die Servicegebühr und die Zeit des Abschlusses des Projekts bestimmt. Wenn Sie alle diese Kriterien erfüllen, können Sie der Gewinner des Projekts sein.

Elance

Elance war eine Online-Personal-Plattform in Mountain View, Kalifornien, USA, die jetzt von Upwork betrieben wird.

Eine 2012 von Elance durchgeführte Umfrage unter Freiberuflern ergab, dass Freiberuflichkeit für 48% der Befragten die “einzige Einkommensquelle” war und dass 69% mindestens einen Bachelor-Abschluss hatten.

Craigslist

Obwohl die meisten Leute Craigslist nur als eine Plattform für den Kauf und Verkauf verschiedener Dinge sehen, ist es tatsächlich eine großartige Quelle für freiberufliche Jobs. Sie können ganz einfach nach lokalen Angeboten suchen, wenn Sie etwas im Büro bevorzugen, oder Sie können nach Großstädten suchen, wenn Sie lieber remote arbeiten möchten.

Universitäten in Deutschland sind berühmt für exzellente Ausbildung, nicht nur im Ingenieurwesen. Deutsche Abschlüsse sind weltweit anerkannt und stark international ausgerichtet. Verschiedene Stipendien und spezielle Unterstützung für internationale Studierende stehen zur Verfügung.

Design kann sowohl funktionale als auch ästhetische Zwecke erfüllen und gleichzeitig ökonomische und soziale Aspekte berücksichtigen. Designstudien können sehr unterschiedliche Schwerpunkte und Maßstäbe haben. Während industrielles Design auf die Gestaltung von Produkten ausgerichtet ist, berücksichtigt Urban Design die Anordnung, das Aussehen und die Funktionalität von Städten.

Wo kann man Grafik Design in Deutschland studieren?

Grafikdesign Screen-/Printmedia – Bachelor of Arts | 7 Semester (Vollzeit) – Fachhochschule Dresden, Sachsen
Grafikdesign und Visuelle Kommunikation – Bachelor of Arts | 6 Sem. / 8 Sem. (Vollzeit / Dual) – HMKW – Hochschule für Medien, Kommunikation und Wirtschaft – Illustrations- und Grafik Design – Berlin, Berlin | Köln, Nordrhein-Westfalen
Diplom in Illustrations- und Grafik Design | 8 Semester (Vollzeit) – KDA – Kölner Design Akademie, Köln, Nordrhein-Westfalen
Medien- und Kommunikationsdesign – Bachelor of Arts | 7 Semester (Vollzeit) – Hochschule Macromedia – Hamburg, Hamburg | Köln, Nordrhein-Westfalen | München, Bayern | Stuttgart, Baden-Württemberg
Gestaltung mit Fachkompetenz Grafik-Design – Bachelor of Arts | 6 Semester (Vollzeit) – HAWK Hochschule für angewandte Wissenschaft und Kunst Hildesheim/Holzminden/Göttingen
Grafik-Design – Bachelor of Arts | 6 Semester (Vollzeit) – DIPLOMA Hochschule – Bad Sooden-Allendorf, Hessen
Grafik-Design (visuelle Kommunikation) – Teil des Lehramts Gymnasium | 8 Semester , Lehramt – Akademie der Bildenden Künste Nürnberg, Bayern
Kunst – Grafik – Künstlerischer Abschluss | 9 Semester – Kunstakademie Düsseldorf, Nordrhein-Westfalen

Grafikdesign Screen-/Printmedia, Dresden

Die Hochschule für Angewandte Wissenschaften Dresden bietet einen Abschluss in Grafikdesign / Printmedien, der kreativen Menschen viel Raum zur Entfaltung bietet. Die Vorbereitung auf eine kreative Karriere ist eine Priorität. Das Grafikdesign Studium trainiert angehende Künstler in ihren wissenschaftlichen, technischen und gestalterischen Fähigkeiten, ohne die Persönlichkeitsentwicklung zu vernachlässigen. Das Studienprogramm zielt darauf ab, die konzeptionellen und kreativen Fähigkeiten zu trainieren, insbesondere um den Studenten einen optimalen Berufseinstieg in das Ambiente der Kreativwirtschaft zu ermöglichen. Indem in kleinen Gruppen studiert wird, und man intensive und individuelle Studienunterstützung bekommt, wird der Prozess unterstützt.

Die FHD in Dresden versteht das grafische Design und seine Untersuchung nicht als isoliertes System, sondern basiert auf dem Prinzip der Interdisziplinarität. Daher ist die interdisziplinäre Zusammenarbeit ein besonderer Schwerpunkt der Fachhochschule Dresden, da sich die Aufgaben eines Designers immer ändern, und oft muss ausgeführt werden, was andere geplant haben – es kommt immer häufiger vor, dass man als Teil eines multidisziplinären Teams Inhalte, Produkte und Dienstleistungen entwickeln muss.

Grafik-Design (visuelle Kommunikation) – Akademie der Bildenden Künste Nürnberg

Der Studiengang: Der Studiengang Grafik-Design (visuelle Kommunikation) aus dem Studienbereich Kunst ist der Fachrichtung Design – allgemein zugeordnet. Die Studiendauer dieses Studiengangs beträgt 8 Semester. Der Studienort ist Nürnberg (Bayern).

Der Studiengang Grafik-Design (visuelle Kommunikation) ist nicht der einzige in der Fachrichtung Design – allgemein.

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Tipp: Wenn Sie allgemein an Design interessiert sind, könnten sie auch die Bereiche Modedesign. Gestaltung und Multimedia ins Auge fassen.

3D-Computergrafiken oder dreidimensionale Computergrafiken sind (im Gegensatz zu 2D-Computergrafiken) Grafiken, die eine dreidimensionale Darstellung geometrischer Daten (oft kartesisch) verwenden, die im Computer für Berechnungen und 2D-Bilder gespeichert werden. Solche Bilder können zur späteren Betrachtung gespeichert oder in Echtzeit angezeigt werden.

Wann wird 2D oder 3D verwendet?

3D-Computergrafiken beruhen auf vielen der gleichen Algorithmen wie 2D-Computer-Vektorgrafiken im Wireframe-Modell und 2D-Computer-Rastergrafiken im endgültigen gerenderten Bildschirm. In der Computergrafik-Software ist die Unterscheidung zwischen 2D und 3D gelegentlich verschwommen. 2D-Anwendungen können zu 3D-Techniken verwendet werden, um Effekte wie Beleuchtung zu erzielen, und 3D kann 2D-Rendering Techniken verwenden.

3D-Computergrafiken werden oft als 3D-Modelle bezeichnet. Abgesehen von der gerenderten Grafik ist das Modell in der grafischen Datendatei enthalten. Es gibt jedoch Unterschiede: Ein 3D-Modell ist die mathematische Darstellung eines beliebigen dreidimensionalen Objekts. Ein Modell ist technisch gesehen keine Grafik, bis es angezeigt wird. Ein Modell kann visuell als ein zweidimensionales Bild durch einen Prozess, der 3D-Rendering genannt wird gesehen werden, oder in nicht-grafischen Computersimulationen und Berechnungen verwendet werden. Beim 3D-Druck werden 3D-Modelle in ähnlicher Weise in eine physische 3D-Darstellung des Modells gerendert, mit Einschränkungen, wie genau das Rendering mit dem virtuellen Modell übereinstimmen kann.

Computergenerierte 3D-Standbilder

3D-Grafiken werden durch den Prozess der Gestaltung von Bildern aus geometrischen Formen, Polygonen oder NURBS-Kurven erstellt, um dreidimensionale Objekte und Szenen für verschiedene Medien wie Film, Fernsehen, Druck, Rapid Prototyping, Spiele/ Simulationen und Spezialanwendungen als visuelle Effekte zu erstellen.

Dafür gibt es viele Softwareprogramme. Die Technologie kann Zusammenarbeit ermöglichen, indem sie sich durch die kreative Anstrengungen, die der Open-Source-Bewegung ähnlich sind, und die kreativen Gemeinsamkeiten, in denen Benutzer an einem Projekt zur Schaffung einzigartiger Kunstwerke zusammenarbeiten, teilen und erweitern lässt.

Der Pop-Surrealist Ray Caesar arbeitet zum Beispiel mit Maya (einer 3D-Modellierungssoftware für digitale Animation), um daraus sowohl seine Figuren als auch die virtuellen Bereiche zu erschaffen, in denen sie existieren.

Übersicht

Die Erstellung von 3D-Computergrafiken gliedert sich in drei grundlegende Phasen:

3D-Modellierung – der Prozess der Bildung eines Computermodells mit der Form eines Objekts – Modellierung: Das Modell beschreibt den Prozess der Formung eines Objekts. Die zwei häufigsten Quellen von 3D-Modellen sind solche, die ein Künstler oder Ingenieur auf dem Computer mit einer Art 3D-Modellierungswerkzeug erzeugt, und Modelle, die von realen Objekten in einen Computer gescannt werden. Modelle können auch prozedural oder durch physikalische Simulation erstellt werden. Im Grunde genommen wird ein 3D-Modell aus Punkten gebildet, die Scheitelpunkte genannt werden, die die Form und die Form von Polygonen definieren. Ein Polygon ist ein Bereich, der aus mindestens drei Scheitelpunkten (einem Dreieck) gebildet wird. Die gesamt Integrität des Modells und seine Eignung für die Animation hängen von der Struktur der Polygone ab.

Layout und Animation – die Platzierung und Bewegung von Objekten innerhalb einer Szene: Vor dem Rendern zu einem Bild müssen Objekte in einer Szene angeordnet werden. Dies definiert räumliche Beziehungen zwischen Objekten, einschließlich Ort und Größe. Animation bezieht sich auf die zeitliche Beschreibung eines Objekts (d. H. wie es sich mit der Zeit bewegt und verformt. Beliebte Verfahren umfassen Keyframing, inverse Kinematik und Motion Capture). Diese Techniken werden oft in einer Kombination verwendet. Wie bei der Animation spezifiziert die physikalische Simulation auch die Bewegung.3D-Rendering – Die Computerberechnungen, die basierend auf der Lichtverteilung, den Oberflächentypen und anderen Qualitäten das Bild erzeugen: Beim Rendern wird ein Modell in ein Bild umgewandelt, indem entweder der Lichttransport simuliert wird, um fotorealistische Bilder zu erhalten, oder indem ein Kunststil wie bei einem nicht-fotorealistischen Rendering angewendet wird. Die beiden grundlegenden Operationen beim realistischen Rendering sind Transport (wie viel Licht von einem Ort zum anderen kommt) und Streuung (wie Oberflächen mit Licht interagieren). Dieser Schritt wird normalerweise mit 3D-Computergrafik-Software oder einer 3D-Grafik-API durchgeführt. Das Ändern der Szene in eine geeignete Form zum Rendern schließt auch eine 3D-Projektion ein, die ein dreidimensionales Bild in zwei Dimensionen darstellt. Obwohl 3D-Modellierung und CAD-Software auch 3D-Rendering durchführen können (z. B. Autodesk 3ds Max oder Blender), gibt es auch eine exklusive 3D-Rendering-Software.